Антикварные фото Belle Bilton (1867-1906)

Сто лет моды. Как одевались женщины в 1801 – 1901г.г.

Стоит разговору зайти о моде девятнадцатого столетия, как большинство представит себе белое платье с кружевами и кринолином. Вот только все не так просто. Копнув глубже, можно узнать, что по сути кринолин был в моде всего шестнадцать, а не сто лет, да и белые платья в эпоху кринолина были диковинкой – на пике моды были яркие цвета и орнаменты. Разберемся же в том, что действительно носили дамы XIX века.

1801 – 1828

Платья этой эпохи являются продолжением раннего ампира 1790-х. Талия – очень высокая, прямо под грудь, женщины обычно обходятся без корсетов, а если и носят их, то не затягивают так сильно, как в предыдущие и последующие эпохи. Вырезы на платьях глубокие, чаще квадратные, хотя встречаются и закругленные; рукава – либо простые длинные, либо совсем короткие «фонарики». Нередко встречаются длинные шлейфы, длина юбки варьируется в зависимости от года. Расцветка платьев в основном пастельная, яркие оттенки встречаются куда реже. В качестве верхней одежды для теплого сезона леди пользуются коротенькими жакетами-спенсерами, которые становятся одним из отличительных штрихов ампирной эпохи.

В моде высокие прически с кудрями на висках, для украшения которых дамы часто используются нежные цветки, подчеркивающие легкость и женственность образов. В эти же десятилетия в женской моде появился по тем временам «диковинный зверь» – короткие стрижки а-ля римский император Тит, то есть с мелкими кудряшками. Из конкретно головных уборов носятся «восточные» тюрбаны, шляпки а-ля Памела и объемные чепцы родом все из тех же 1790-х.

1828 – 1838

Эпоха ампира закончилась, но мода на утонченную женственность еще жива, и в это десятилетие писком моды являются пышные юбки, которые, кстати, стали короче – всего до щиколотки – и рукава-буфы, показывающие изящество плеч и шеи. Чаще появляются вечерние платья с открытыми плечами. Талия всё ещё завышена, но уже не так сильно, как в предыдущие тридцать лет, вырезы становятся скромнее, и только преимущественно светлая расцветка остаётся неизменной. Потихоньку входят в моду рюши и кружева.

Прически становятся больше, увеличивается количество кудрей, а пучки появляются самые разнообразные, для украшения прически дамы пользуются перьями страусов. Именно эти десять лет являются той «пушкинской эпохой», о которой столько сказано и написано.

1838 – 1851

С наступление сороковых в свои права вступает романтизм. Юбка становится ещё пышнее, на ней появляется множество складок. Корсет затягивается туже, и немолодые уже модницы с грустью вспоминают о своей ампирной безкорсетной юности. В моду окончательно входят открытые плечи. Платья наконец становятся цветными, очень часто – даже темными, белый теперь надевают только на свадьбу (или выпуск из института), да и прочие светлые цвета оставлены исключительно для торжественных случаев. В начале десятилетия в моду входят шали и национальные платки, прикрывающие нижнюю часть юбки. Изредка встречаются платья с кринолином.

В Англии 1838 год ознаменовывается вступлением на престол королевы Виктории, которая в ближайшие десять-двадцать лет сильно повлияет на моду в Европе. Благодаря её вмешательству из женского гардероба исчезнут огромные шляпы, чепцы станут скромнее. В моду входят прически с гладкими прядями, кудри остаются приданьями старины. Одно из новых веяний – прическа а-ля Клотильда, с косичками около ушей, которая становится популярна благодаря всё той же Виктории, избравшей именно её для своей коронации.

1851 – 1867

В моде окончательно укореняются кринолин и шали на восточный манер. В журналах появляются не только взрослые, но и детские модели платьев. Светлые цвета почти полностью уходят в небытие, используются клетчатая и даже полосатая материи, а для пошива однотонных платьев берут в основном ткани темных цветов, белый же вне свадеб теперь можно встретить только на некоторых «официальных» портретах принцесс. Постепенно наряды «обрастают» всё большим количеством рюш, кружев и цветочков. Не брезгуют дамы и бахромой. Ближе к концу 1850-х в доступе наконец-то появляются искусственные красители и платья вновь обретают цвета.

Приблизительно к 1860 году наступает «кринолиновый бум», подолы некоторых платьев в диаметре достигают 180см. Помимо того, теперь кринолин носят не только дамы из знати, но и вообще все хоть сколько-нибудь обеспеченные женщины. В середине 1860-х изобретаются платья со сменными лифами: днем женщина носит что-то закрытое, а вечером к той же юбке надевает верх с открытыми плечами и руками.

Шляпки в эту эпоху становятся совсем незначительными, прически чем-то напоминают древнегреческие, волосы украшаются диадемами и гирляндами цветов. Стоит отметить, что уже к середине шестидесятых вечерние укладки обязательно открывают шею, переплетения волос становятся гораздо сложнее. Также эту эпоху от предыдущих отличает преднамеренная асимметрия в прическах.

1867 – 1878

Кринолин постепенно сменяется кринолеттом, просуществовавшим не слишком долго, а затем и турнюром. И тот, и другой увеличивают фигуру в области ягодиц, спереди же юбка становится более узкой (с кринолеттом это не слишком заметно, с турнюром – куда заметнее). Рукава тоже сужаются, а вот обилие деталей остается все тем же. Периодически встречаются аляповатые платья, в которых намешано ужасное количество разных украшений, тканей и орнаментов.

Читайте также:
Фэшн-фотограф Тим Уолкер (Tim Walker)

В моду снова входят более темные цвета, причем чаще всего почему-то используется синий. Вырезы – достаточно большие, нередко – квадратные. Снова начинают использоваться шлейфы, каблук под платьем становится выше.

В прическах древнегреческие мотивы сменяются средневековыми, появляются первые посылы к тем укладкам, которые будут модны в следующем десятилетии.

1878 – 1891

Популярность турнюров все набирает обороты, теперь их можно встретить даже в детских платьицах. Силуэты модниц окончательно становятся вытянутыми, строгими и узкими спереди, где юбка сужается до смехотворной ширины, но турнюр сзади наоборот увеличивается. Декольте, открытые плечи и даже короткий рукав становятся допустимыми только в вечерних платьях, дневные же скрывают кожу женщины от подбородка до самых кистей рук. И снова в моде темные оттенки…

Прически этой эпохи очень сложные, для их создания нередко пользуются накладными локонами, часто встречаются короткие кудрявые челки. Сзади волосы укладываются петлями или косами.

1891 – 1901

Из моды наконец выходят турнюры, постепенно уменьшавшиеся к концу 1880-х. Им на смену приходят юбки-колокольчики, свободно спадающие и расширяющиеся к низу. Вполне возможно, что целое поколение великосветских дам, с детства носивших турнюры, были удивлены тем, что и без них можно выглядеть женственно, элегантно и изящно. Но радоваться рано. На смену турнюрам приходит другая, тоже диковатая мода – на рукава в стиле «баранья ножка», широкие у плеч, но сужающиеся к локтю. Количество мелких деталей тоже уменьшается. Неизменным в начале десятилетия остается туго затянутый корсет, однако к концу 1890-х и эта мода потихоньку начнет исчезать.

Прически, как и платья, становятся проще. Мир приближается к переломным десятилетиям XX века, когда женщины наконец получат многие желанные свободы. Как ни странно, одна из самых модных в 1890-х укладок – простой, в некоторых случаях даже слегка небрежный пучок на макушке.

Все тексты в блоге моего авторства, иллюстрации взяты со свободных ресурсов интернета, из источников, не указывающих своих авторских прав (если иное не указано под иллюстрацией). При копировании прошу указывать ссылку на мой блог.

Оценить старое немецкое пианино

За сколько можно продать старинное немецкое пианино?

Этот вопрос настолько частый, что мы решили посвятить ему отдельную небольшую статью.

Сначала кратко, но поэтапно обозначим, что нужно выяснить, а затем разберем каждый пункт немного подробнее.

1. Не отечественного ли производства ваше фортепиано с явно немецким названием? (Такие марки как F. Muhlbach, C. M. Schroder, Diederichs freres, J.Becker и некоторые другие).
2. Какого типа у пианино механика: «старая» или «современная»?
3. Входит ли марка вашего фортепиано в мировой топ лидеров?

Итак, по первому пункту:

Не всегда старинное пианино с немецким названием в реальности им является. Часто встречаются и отечественные производители дореволюционного периода. Кто-то скажет, что они были очень хорошими, кто-то возразит. Не суть важно, в принципе. Отметим главное – мы бы не взяли. Подобные нам фирмы не возьмут тоже и даже бесплатно. Причина проста – вкладывать немалые суммы в профессиональные реставрации имеет смысл только в импортные фортепиано, причем мировых лидеров.

Потому будьте осторожны при выборе пианино. С завидным постоянством на различных рекламных интернет-площадках типа www.avito.ru можно встретить объявление о продаже «уникального немецкого пианино или рояля», которое в реальности является отечественным. Полбеды, когда сами люди по незнанию размещают такие объявления, но нередко этим грешат и настройщики, желающие подработать не совсем, а точнее совсем нечестным путем. Они не могут не знать об истинном происхождении данного фортепиано.

Вот основные имена отечественных производителей, которые на сегодняшний день встречаются достаточно часто:
F. Muhlbach (Ф. Мюльбах)
C. M. Schroder (Шрёдер)
Diederichs freres (Браться Дидерикс)
J.Becker (Бейкер)
R. Rathke
Offenbacher
и некоторые другие.

Всё это, конечно, поставщики Его (и прочих) императорских величеств, множество медалей и различных эффектных надписей внутри инструмента, но что касается нас – спасибо, не надо. На нас подобный маркетинг прошлого не действует. Кстати, если вы посмотрите на раму старого пианино одного из мировых лидеров С. Bechstein (Бехштейн), то там все предельно просто и аскетично – лейбл, номер и марка.

И всё! Фирма всё сказала безупречным качеством, а не надписями!

Теперь переходим к старинным реально немецким инструментам.

Сразу же выделим две группы, на которые можно условно разделить все пианино.

Со «старой» механикой (верхнедемпферной, если по-умному, то есть с верхней системой глушения струн).

С «современной» механикой. ( Нижнедемпферная система. Это тоже по-умному, но можно без потерь сразу забыть такие мудрености ).

Как определить, какая механика у вашего инструмента?

Достаточно просто. Откройте самую верхнюю крышку пианино и посмотрите на молоточки, которые ударяют по струнам при нажатии клавиш. Если вы видите их полный ряд (слева направо), значит это «современная» механика, переход на которую у всех фабрик-производителей происходил на рубеже XIX-XX веков.

Если же над линией молотков имеется дополнительная специальная надстройка – очень жаль, но данный инструмент можно оставить как воспоминание о великом историческом прошлом, любоваться на него, но вот покупать однозначно не стоит. И бесплатно брать с профессиональной точки зрения тоже не нужно. «Старая» система механики колоссально уступает в техническом плане «современной». На эту тему у нас есть отдельная статья.

Читайте также:
Fashion illustration

Теперь, если у вас старинное немецкое фортепиано с «современной» механикой, то чтобы выяснить его истинную ценность, осталось совсем чуть-чуть.

В прошлые времена было очень много фортепианных производителей – их насчитывалось тысячи. Но вот конкуренцию на мировом уровне выдержали лишь единицы, они функционируют и по сегодняшний день. Как говорится, бренд на пустом месте не рождается, если это не смазливая горе-звезда эстрады, конечно. Правда, случается и так, что после от высшего качества остается только бренд, как в случае со многими китайскими сборками фортепиано мировых марок, к примеру. Но это уже другая тема, которой у нас также посвящена отдельная статья.

Вот примерный перечень фортепиано мировых производителей, которые и по сегодняшний день вызывают искреннее восхищение:

Steinway & Sons
C. Bechstein
Julius Blüthner
August Förster
Ed.Seiler
и некоторые другие.

Все остальные марки представляют интерес постольку-поскольку либо не представляют вовсе. Отметим, что среди приказавших долго жить марок можно встретить очень достойные экземпляры, в принципе, никому не уступающие. Но коммерческий вопрос – он всегда особенный. При равном выборе покупатель предпочтет то, что на слуху и чье имя не вызывает никаких сомнений.

Напоследок, не желая огорчить владельцев достойных фортепиано ( с «современной» механикой, мировая марка ), скажем, что и продать дорого такой инструмент тоже не получится. Причины просты:

1. Всегда достаточно предложений на приемлемой цене (к примеру, C. Bechstein, Ed. Seiler, Bluthner и подобные можно купить от 20 до 90 тысяч рублей).

2. Очень дорогой ремонт, если делать по-настоящему профессионально, а не когда некий настройщик что-то там клепает у себя дома из подручных материалов. Чтобы отреставрировать до идеального состояния старинное немецкое пианино, используя родные комплектующие, а не китайские аналоги, приглашая мастеров высокого уровня, чтобы вернуть его истинное звучание, а не навести внешне-внутренний визуальных лоск, придется потратить от трехсот до пятисот тысяч рублей, а то и больше.

Поэтому и появляется вполне разумная цена за прекрасно отреставрированный старинный немецкий инструмент 500 – 700 тысяч. Если же использовать китайские аналоги в материалах, обойтись мастерами уровня фабрики «Заря» или некогда мебельного комбината «Лира», то реставрированное пианино может выйти и гораздо дешевле. Соответственным выйдет и его качество.

Итак, резюмировав всё вышеизложенное, можно кратко повторить:

У вас старинное немецкое пианино, которые вы желаете продать.

1. Выясняем, не отечественный ли это инструмент.

2. Какого типа у него механика: «старая» или «современная».

3. Входит ли ваш инструмент в число мировых лидеров.

Стоить упомянуть, что, хотя и очень редко, но все-таки можно встретить старинное пианино с “современной” механикой, но так называемую прямострунку. От такого фортепиано тоже стоит сразу отказаться. В двух словах, это когда струны басового регистра наложены не под углом и чуть выше относительно струн голосового и верхнего регистров, а целиком весь комплект струн расположен вертикально и параллельно. В этом случае все-таки лучше проконсультироваться со специалистом, точно ли это прямострунка. Если у вас такого специалиста нет, напишите нам, мы скажем, какое фото прислать, после чего ответим, что это за фортепиано.

Фото так называемой прямострунки ниже:

Если у вас старинный немецкий инструмент с «современной» механикой и является мировым брендом, продать вы его можете примерно от 40 до 100 тысяч, как повезет. Продажа может легко занять и несколько месяцев, что для фортепиано считается достаточно быстро. Владельцы магазинов порой говорят своим коллегам: «Что-то этот инструмент застоялся, странно, очень достойное пианино», это означает, что стоит оно на продаже больше полугода.

Иногда, крайне редко, кому-то удается продать старинное немецкое пианино без реставрации дорого. Но это не статистика, а лишь по незнанию покупателя, либо в силу непорядочности тайно финансово заинтересованного персонажа в лице настройщика-консультанта.

К разочарованию некоторых лиц, скажем, что большой ценности старинное пианино до реставрации даже известного мирового бренда не представляет, и как антиквариат тоже. Мы это отметили лишь потому, что время от времени кто-то пытается утверждать, что его столетний немецкий инструмент стоит миллионы (желая добавить: “Не рублей!“), искренне обижаясь, как мы этого не понимаем. Но к их полному огорчению, этого не понимают и прямые покупатели.

Английский фарфор: фабрики, изделия, клейма

Основание фабрики— 1751 год.

Фабрику в Вустере основал в 1751 году врач Джон Уолл вместе с аптекарем Вильямом Дэвисом. Начало ее деятельности отчасти связано с более ранней небольшой фабрикой фарфора, которая появилась в Бристоле в 1750 году. Ведь именно в Бристоле был изобретен новый способ выработки мягкого фарфора, основанный на добавлении к массе минерала стеатита, что повышало его технические качества, главным образом — прочность. Новый фарфор нашел широкое применение в изготовлении столовых и декоративных изделий, которые стали основным продуктом Бристоля. Изделия Бристоля делались по китайским образцам, имитировались их формы и декорирование растительными мотивами.

Джон Уолл оценил прибыль, которую приносило производство нового фарфора, и в 1752 году купил фабрику в Бристоле для компании в Вустере. В Вустер перевезли из Бристоля оборудование и формы, а также приняли на работу часть специалистов-керамиков, знающих новую технологию производства фарфоровой массы. Поэтому изделия Вустера первое время были такими же, как в Бристоле. Вна чале у фарфора был серо-желтоватый оттенок, пробивающийся через тонкий слой глазури. Но его технические характеристики были близки к качествам настоящего твердого фарфора. Изделия из Вустера нашли широкий круг покупателей, и фабрика стала быстро развиваться.

Читайте также:
Софи Лорен 80 лет

Первый этап деятельности (длившийся от основания фабрики до 1783 г.), называемый периодом Уолла, считается самым успешным Правда, Джон Уолл умер еще в 1773 году, но фабрикой стал руководить его компаньон — Дэвис, который сохранял такую же программу. В Вустере выпускали преимущественно столовый фарфор. Форма изделий, особенно кувшинов, сливочников, соусников и блюд, заимствовалась у серебряной посуды эпохи рококо. Преобладало одноцветное подглазурное декорирование в китайском стиле, как правило, в синих тонах. Но использовался и многоцветный декор. Тут главными мотивами были экзотические птицы, насекомые, цветочные композиции, аллегорические фигуры и т. д. Из художников, работавших в Вустере, нам известно имя Джеймса Роджерса — автора двух сохранившихся кувшинов с фигурой женщины, символизирующей Великобританию, и с гербом города Вустера. В период Уолла в производство было введено украшение изделий с помощью техники гравирования на меди. Это была монохромная декорировка в разных оттенках красного, а также в черном и темно-синем цвете. Изобретателем этого способа, вскоре перенятого на других английских фабриках, а потом и на континенте, был график Роберт Хэнкок (1730—1817). Кроме него гравюры на меди для Вустера готовили и другие художники: например, Ричард Холдшин и Джеймс Росс.

В 1783 году, после смерти Дэвиса, фабрику приобрели братья Джозеф и Джон Флайт. Вместо умершего в 1792 году Джона Флайта в компанию вошел Мартин Барр. При фирме «Флайт и Барр» фабрика существовала до 1840 года.

На рубеже XVIII—XIX веков в Вустере стало ощутимо влияние стиля французской фабрики в Севре. На посуде делали цветной фон, а модным цветом была лазурь. Некоторое время помимо посуды изготовляли и фигурки. Среди художников, работавших на фабрике с начала XIX века, выделялся Джеймс Плант.

В 1840 году фабрика перешла в собственность Вальтера Чемберлена и Джона Лили. А с 1852 года хозяином стала компания «Керр и Бинс». С тех пор фабрика стала назы ваться «Королевская компания вустерского фарфора». Предприятие быстро разрасталось, прикупая другие производства, действовавшие в Вустере. По очереди присоединили: в 1840 году — фабрику, основанную в 1783 году Робертом Чемберленом, которая вначале была художественной мастерской, а потом — фабрикой фарфора; в 1889-м — фабрику фарфора Грейнджера, основанную в 1801 году; в 1905-м — фарфоровые мастерские Хэдли, основанные в 1896 году.

Во второй половине XIX века началась индустриализация методов производства, вследствие чего выросли его размеры. Во время Первой мировой войны на фабрике помимо столовой посуды вырабатывали лабораторный и технический фарфор, а с 1931 года и огнеупорные изделия. В военный период фабрику в Вустере опять переключили на производство товаров для промышленности. Столовый фарфор стал составлять лишь небольшую часть продукции и предназначался только на экспорт. В настоящее время фабрика вернулась к традиционному производству высокосортных столовых сервизов, декоративных изделий и фигурок. Сейчас эта компания является единственной из английских фабрик фарфора, основанных в середине XVIII века, которая дожила до нынешнего времени.

ПЛИМУТ – БРИСТОЛЬ – НЬЮ холл

Производство фарфора — с 1768 года.

Английский вариант твердого фарфора был создан только в 1768 году. Изобретателем стал Вильям Кукворти в Плимуте, почти через шестьдесят лет после Тширнхауза и Бётгера Эго стало возможным после открытия в Корнуолле и Дэвоне, в юго-западной Англии, больших залежей каолина; тогда там возникли копи, которые действуют и сейчас, поставляя это сырье, столь ценное для производства керамики.

Кукворти в 1770 году перенес свою фабрику в Бристоль, где с 1750 года существовала фабрика керамики Вильяма Лоудина Три года спустя, когда Кукворти было уже почти семьдесят лет, он продал свою фабрику Ричарду Чемпиону и совсем перестал заниматься коммерцией. Чемпион управлял купленной фабрикой только восемь лет, и в 1781 году он из-за давления со стороны конкурентов и финансовых трудностей был вынужден продать фабрику и патент на производство фарфора группе керамистов из Стаффордшира

В 1781 году новые хозяева перенесли фабрику в Нью- Холл, где работали и другие фабрики фарфора, но они стали производить лишь посуду для повседневного пользования. Может показаться странным, но вначале твердый фарфор не нашел достойного применения в Англии, наверное, из-за того, что первые пробы Кукворти в Плимуте были не такими уж превосходными. Фарфоровая масса, модели и декор не имели больших эстетических качеств. Несколько более высокой оценки заслуживают изделия Чемпиона в бристольский период, особенно большой сервиз, сделанный для Эдмунда Берке, а также две группы фигур — «Континенты» и «Времена года». В Нью-Холле, как уже упоминалось, выпускали исключительно столовую посуду без особых художественных амбиций. В тот период твердый английский фарфор был хуже континентального и не мог быть ни партнером, ни конкурентом.

В течение XIX века в местности Шелтон появилось несколько фабрик: например, «Риджуэй», «Рэдфорд», «Хит», «Фейр», а также целый ряд акционерных компаний: «Браун и Вестхед и Мур», «Никс и Мей» и так далее.

Читайте также:
Самые мистические фото Джулии Ванг

Что касается художественного уровня их продукции, можно сказать, что он не был очень высоким — они выпускали сервизы среднего стандарта.

Основание фабрики — 1750 год.

Ликвидация фабрики —1814 год.

Фабрику фарфора, основанную в Когли в 1750-м, купил в 1754 году Галлимор, который в 1772-м передал ее своему зятю Т. Иернерду. В 1775 году его партнером стал Р. Хэнкок, изобретатель техники декорирования с помощью гравюр на меди, и с этих пор все изделия «Когли» украшались таким способом. В 1799 году фабрику купил Джон Роуз, владелец фабрики в Коулпорте. С этого времени фабрика в Когли только формовала и обжигала изделия, которые потом отделывались и расписывались в Коулпорте. Фабрику в Когли закрыли в 1814 году.

Основание фабрики — 1796 год.

В 1796 году из маленьких фабрик в Коулпорте Джон Роуз создал еще одну английскую фабрику фарфора, которую в 1799 году объединил с купленной фабрикой в Когли. В 1819-м фабрикой стал управлять известный тогда художник по керамике В. Биллингли, который оставался в Коулпорте до самой своей смерти в 1828 году. Его специальностью были искусно нарисованные цветы, и он украшал ими изделия фабрики.

В 1822—1823 годах фабрика в Коулпорте приобрела формы и оборудование фабрик в Нантпарве и Суонси. В 1841 году, после смерти ее основателя, фабрика перешла к его племяннику Вильяму.

Фирма существует по сей день под названием Coalport China Ltd. (Коулпортский фарфор) и выпускает преимущественно высокосортную столовую посуду.

ЛОНГТОН ХОЛЛ

Основание фабрики — 1750 год.

Ликвидация фабрики— 1760 год.

В 1750—1760 годах в Лонгтон-Холле (Стаффордшир) работала фабрика фарфора, основанная Вильямом Дженкинсоном, которой управлял керамик Вильям Литтлер.

Эта фабрика, проработавшая недолго, выпускала столовый и декоративный фарфор, а также фигурки. Реклама фабрики, помещенная в 1757 году в лондонской газете «Общественная реклама», перечисляет следующие виды изделий фабрики: круглая или овальная посуда с крышкой, главным образом для мясных блюд, миски мелкие и глубокие, кувшины, кружки, ажурные корзиночки для фруктов, чайные, кофейные и десертные сервизы, соусники, изделия в форме дыни или кочана капусты, декоративные изделия, фигурки, вазы с пластическим декором, изображающим цветы и птиц.

Выпускались как чисто белые (без росписи) изделия, так и расписанные одним цветом или несколькими. Продукция Лонгтон-Холла выделялась индивидуальностью в середине XVIII века. В то время небольшие фабрики подражали образцам известных производителей, таких как «Мейсен», «Севр» и т. д. К шедеврам фабрики относится статуэтка, изображающая герцога Брауншвейгского на коне, которая сейчас находится в Британском музее.

Позднее Лонгтон-Холл стал одним из самых главных центров производства английского фарфора. На протяжении двухсот лет и до нынешнего времени там действовало около шестидесяти разных фабрик.

Сколько на самом деле стоит советская утварь из бабушкиного серванта

При оценке винтажных вещей не всегда работает правило «чем старше — тем дороже», чаще всего цена будет зависеть от состояния предмета, его редкости и спроса.

Дореволюционный подсвечник может оказаться дешевле столового набора времен СССР, поэтому, чтобы не ошибиться с оценкой всего этого старого добра, нужно знать, по каким признакам коллекционеры отличают настоящую редкость от ширпотреба.

Мы не оцениваем старинные иконы, серебряные чайники работы Адольфа Шпера и не рекомендуем продавать бабушкин сервиз. В статье только примеры домашней утвари, которую вы, возможно, не цените, а зря. С сахарницей из детства легко расстаться, да только потом найти такую же будет сложно.

Столовые приборы

Полный комплект, которым ни разу не пользовались, стоит дороже. Если утеряны несколько чайных ложек или слезла эмаль с ножей, у покупателя будет повод сбить цену минимум на 50%.

Ценятся приборы из драгметаллов: немецкий комплект из 56 предметов в позолоте продают за 35 000 Р , а мельхиоровый набор из 24 предметов с посеребрением можно продать за 3000—8000 Р . На таких приборах обычно стоят сразу два клейма: проба и завод-изготовитель.

Наборы из нержавейки стоят в среднем полторы-две тысячи. Можно продать дороже, если найдется покупатель, которому нужен именно такой рисунок, как на вашем наборе. Например, мне для полной коллекции не хватало ножей с белыми цветочками на зеленой эмали, и если бы владелец запросил больше 150 Р за штуку, мне пришлось бы согласиться: у других продавцов ножей с таким рисунком найти не удалось.

Однако если приборы сделаны в довоенное время, удастся выручить больше: за одну вилку 1930-х годов просят 2000 Р . Будь она в идеальном состоянии, цена бы начиналась от 3000 Р .

Понять, насколько изделие старинное, можно по клейму: до конца 19 века клеймо было выпуклым, а потом его стали углублять в металл.

Сахарницы

Советская эпоха помнит три вида сахарниц: фарфоровые, стеклянные и сахарницы из металлов — мельхиора, алюминия и серебра.

Фарфор. Если советская фарфоровая сахарница без сколов и трещин, не восстановлена, не бита и не крашена, ее можно продать рублей за пятьсот. Даже сахарница из Чехословакии — страны, которой больше нет, — будет стоить те же деньги. Дело в том, что таких сахарниц сохранилось много, дефицита в них не наблюдается, художественной ценности они не представляют, поэтому и цены невысокие.

Читайте также:
Леди Гага фото с обложки журналов

Однако есть рисунки, которые поднимают стоимость, — агитационные. Это серп и молот, лозунги и изображения рабочих. «Агитки» — раннесоветская, довоенная тема. Такие вещи делали в двадцатые годы прошлого века.

Даже со сколом агитационную сахарницу можно продать за 6500 Р . Рабоче-крестьянская Красная армия поможет вам немного подзаработать.

Стекло. Сахарницы из стекла, как правило, с широким горлышком, часто использовали и как конфетницы, и как вазы для варенья. Средняя цена на сахарницы из тонкого стекла или хрусталя — 500 Р . Если есть сколы или не хватает крышки, такую сложно будет продать и за 100 Р .

Другое дело, если стекло — богемское, да еще и конца 19 века. Сахарницы того времени были украшены золотом и драгоценными камнями. Цены на подобные вещи начинаются от 50 000 Р и уходят в бесконечность. Если вы обнаружили в серванте что-то подобное, не выставляйте на «Авито», а сразу несите оценщику.

Металл. Сахарницы из недрагоценных металлов стоят не много, несмотря на возраст: послевоенные мельхиоровые или никелевые — около 200—500 Р . А вот бронзовую дореволюционную сахарницу с посеребрением можно продать за 2000—3000 Р .

Столовый сервиз

Чтобы оценить сервиз, нужно посмотреть на клеймо и монограмму — они помогут понять, какая фабрика изготовила блюдца и чашечки, и узнать имя художника, что их расписывал. Некоторые клейма встречаются редко — именно от этого и будет зависеть цена всего сервиза.

Вербилки. Фарфоровый завод в поселке Вербилки, что в Московской области, был основан в середине 18 века Францем Гарднером. До революции 1917 года эта мануфактура делала сервизы из тончайшего фарфора, статуэтки и предметы быта для царского двора и обеспеченных людей. Посуда Гарднеровского периода высоко ценится и сейчас: чайный сервиз 1870—1890 годов из 11 предметов стоит 90 000 Р .

После революции завод стал называться Дмитровским, а посуда его производства приобрела новые клейма: до 40-х годов герб СССР, до 1954 года изображение чайника в овале, до середины 60-х аббревиатура ДФЗ , а вплоть до 1991 года в качестве фирменного клейма использовали изображение лося.

Ценятся довоенные сервизы: чайный набор на 6 персон 1930-х годов можно продать за 45 000 Р , а вот сервиз с клеймом лося 60—70-х годов стоит всего 1000 Р .

Дулево. Дулевский фарфоровый завод получил такое название после национализации в 1917 году, до этого он именовался фабрикой Кузнецова. Посуда кузнецовского периода украшала императорские столы, но сейчас полные сервизы с клеймами «ЗК » или «Фабрики Кузнецова» в продаже найти сложно, их сохранилось не так много.

За дореволюционные молочник или сахарницу можно выручить около 3000 Р .

На клеймах советского периода исчезла фамилия основателя, зато появились серп и молот, пятиконечная звезда и надпись «Дулевский фарфоровый завод». Посуда с таким клеймом не ценится коллекционерами, тем не менее сервиз можно продать за 3000—5000 Р .

Сервизы, которые выпущены к памятным датам — Олимпиаде-80 , годовщине Октябрьской революции, — стоят дороже. Например, полный комплект чайного набора из тонкого костяного фарфора с золотой надписью «Москва-80» можно продать за 10 000—12 000 Р .

Сервиз «Мадонна». Легендарный сервиз из ГДР, о котором мечтали многие советские граждане, сейчас может стоить и пару тысяч, и несколько средних зарплат. Цена зависит от производителя, возраста и сохранности: чем сервиз старше, тем дороже можно продать.

Узнать возраст поможет клеймо «Кахла»: в 40—50-е годы оно выглядело как герб с надписью KAHLA по диагонали, в левом верхнем углу была изображена елочка, а в нижнем правом углу — шестиконечная звезда. Позже клеймо стало напоминать корону в круге, а слово «Кахла» писали строго горизонтально. Сервизов с «елочкой» практически не осталось. Если у вас именно такой, не спешите продавать его за пару тысяч.

Сервиз «Мадонна» выпускали вплоть до девяностых годов прошлого века, особенно большими тиражами — в семидесятые. Тогда его делала фабрика Stadtilmer Porzellan и ставила клеймо ST–P. Но не стоит ожидать, что удастся продать сервиз дороже 10 000—15 000 Р , потому что их сохранилось немало.

Почитайте, как продать ненужные вещи наших дней через сайты объявлений:

  1. Как сфотографировать товар, чтобы его купили.
  2. Как избежать мошенников.
  3. Как правильно установить цену.

Чайная пара Вербилки 60-е годы 20-го века продана за 1000руб нп Авито

нет, но хочеться продать

наша посуда почему то мало ценится

Татьяна, ну так качество и разнообразие сори. пару примеров:

1. самый “престижный” совковый фарфоровый завод ЛФЗ начал выпуск костяного фарфора только в 60х годах 20 века. Пользуясь всей мощью науки 20 века и химпромом дотянули % костяной муки до 45 в массовых изделиях – минимальный процент чтоб фарфор назывался костяным. это визитная карточка союза.

А англичане изобретатели современного костяного фарфора за 200 лет до этого уже откатали свою технологию до использования 50-55% костяной муки в черепке. (не путайте с яичным китайским. хотя англичане и пытались повторить его но повторили так что именно их фарфор это норма и костяной а не изначальная китайская технология – до 30%)

Читайте также:
Габриэль Шанель, стиль и фото

2. Качество изделий и особенно черепка начинает резко падать после 60 какогото там года и потом второе катастрофическое падение после 80-го (на самом деле после карибского кризиса и боинга с афганом). это и звук и форма в том числе толщина и белизна. то серый черепок то незвучит. ну и разнообразие деколей и пигментов.. Санкции

3 отдельная пЭстня это партия и ее диктат. пару примеров:

– Фаянсовому заводу будды было предписано массово производить фаянс “сельского” дизйна. В плохомы смысле этого слова. хотя у них были разработаны и понемногу выпускались классические дизайны и дизайны в стиле немецкого и английского однотонного фаянса с пасторальныйми изображениями (не знаю как называется стиль). и именно их сейчас как винтаж покупают иностранцы на том же Etsy. а обычный сельской – нет спасибо.

– киевский завод так и держали с малыми партиями в статусе эксперементального. хотя именно он спас петрикивский роспыс от забвения и разрабатывал наиболее оригинальные рисунки и формы.

– кремгэс – тонкие росписи достойный черепок и лучший эностиль в ссср. у других массовых производителей либо роспись грубее (даже у вербилок) либо нет такой повальной массовой росписи. тот же Киев делал великолепную роспись но это не массовые изделия. Тонкя роспись у ленинграда но это больше исключение их массовый продукт с деколями.

и что кремгэс? а они так и не получили нормальные линии для штамповки фарфора из за этого форма их изделий не идеальная. (исправленно) Сам черепок белый звонкий. прямо сейчас у меня в обиходе их доливной чайник и ленинградский экспортный НЕ костяной сервиз (лучистый). только что перепроверил и переписал. кремгэсовская фарфоровая масса белее звонче и вопреки тому что писал вначале – в ленинградском экспортном вкрапления а в кремгэсовском их нет. (сори был неправ относительно кремгэса). НО форма всё же не выдержана. у кремгэса до 1 мм смещения..

Очень часто чуть неоднородная глазурь. даже у ленинградского. У корыстыня глазурь идеальна но они больше были по ширпотребу – их “парадные” сервизы в продаже почти отсутствовали. (дописано)

Опять же коростень разработал внутриглазурное золочение. Это нынешняя гордость не кого нибудь а мейсена. Да похуже мейсена но всё же устойчивое золочение это неимоверное достижение! И.
И использовали эту технологию не на дорогих сервизах способных принести славу производству а на ординарных тарелках для ежедневного использования.

Даже то что было сделанно хорошо, вот реально безупречно – всё было однотипным. нет разнообразия. всё одинаковое а чтото необычное было редкостью.. под конец в 90х дряная глиняная кружка больше ценилась чем обычная приевшаяся фарфоровая из магазина.

И последнее – сравните советские статуэтки при всей их оригинальности с изделиями Европы. Извините но нет. Массовый продукт совершенно разного уровня. Скупльптурная работа над лицами.. Тонкость лепки (у них прям кружево и лепестки), окраска.. посмотрите и вы все поймете сами

picclick com /Antiques/Decorative-Arts/Ceramics-Porcelain/Figurines/

picclick com /Antique-Bisque-Porcelain-Art-Nouveau-Style-Woman-in-203186813569.html#&gid=1&pid=1

picclick com /LARGE-Antique-Austrian-Deco-Goldscheider-Josef-Lorenzl-Ceramic-184542428725.html

Ну и опять же шероховатость края кружек чашек в СССР. Даже относительно дорогих. Даже самой любимой отцовской кружки – в мас маркете это.. странно.

Эмиль Галле – реформатор художественного стекла XIX века

Видели всё на свете
Мои глаза – и вернулись
К вам, белые хризантемы.
(Хокку. Переводчик В. Маркова)

Воистину, в японской миниатюре заложен глубокий философский смысл – нет ничего на свете красивей, чем созданные природой цветы. И только мастер может сделать хрупкую красоту вечной, воплотив ее в скульптуре, на художественном полотне или, как Эмиль Галле, в стекле и дереве.

История зарождения и признания

19 век не отличался каким-либо единым стилем, а являлся смешением романтизма, ренессанса, тяготеющего к античности, и иррациональной готики. Устав от классических правил общество жаждало взрыва эмоций и новой философии. По счастливому стечению обстоятельств во Франции, в конце 19 века жил и работал мастер, художественные устремления которого положили основу новому течению ар-нуво, соединившему восточную философию, тонкую эстетику и новые технологии. Имя мастера – Galle Emil (Эмиль Галле; 08.05.1846- 23.09.1904. г., Нанси).

В 28 лет Эмиль Галле стал единолично управлять мастерской отца, специализировавшейся на выпуске стеклянных и керамических изделий. Несмотря на стабильный доход от продажи продукции для всех слоев населения, молодой Галле посчитал, что изделия из стекла могут быть не только утилитарными. Пластичность исходного материала и, в тоже время, его твердость открывали широкие возможности для экспериментов. В результате творческих проб, он стал основателем нового художественного стиля и новатором в области декоративного стекла.

Галле стремился создавать вокруг себя целостное пространство эстетики, объединяя в искусстве новые необычные приемы, современные материалы и конструкции.

Изделия Галле

На смену ремесленнику пришел мастер-ювелир стекольного искусства. В его работах видны видоизмененные мотивы природы: среброкрылые стрекозы над утренней дымкой реки, изысканные орхидеи, королевские розы, утонченные пурпурно-розовые лилии, фантазийные насекомые.

Ваза «Роза Франции» отражает внутренний мир художника, его восприятие страны, которой стала для него родиной, где он черпал вдохновение. Эмиль Галле родился и закончил свою жизнь в небольшом городе Нанси, а природа, окружавшая мастера стала его музой. На поле цвета зеленого луга расцвела розово-лиловая кружевная роза, как символ любви и гордости (сейчас мы называем такие изделия «в стиле 3D»). Чаша со стрекозой более похожа на сюрреалистическую гостью с изумрудными глазами, которая словно парит навстречу зрителю. Насекомое грациозно, ее крылья цвета жженой умбры столь легки, что кажется мгновение, и стрекозка покинет ванильно-шоколадную вазу, и отправится в реальное путешествие. Невероятная пластика, изящные формы, цветочные мотивы и необычная цветовая палитра изделий из стекла произвели фурор на всемирной выставке в Париже в 1878 году. Имя Эмиля Галле в одночасье стало у всех на слуху, а его работы расходились с невероятной быстротой. Авторская техника clair-de-lune (лунный свет) давала возможность изготовлять стекло многослойным, а обработка кислотой, красителями, декорирование резьбой и объемными фигурками делали каждую работу эксклюзивной.

Читайте также:
Леди Гага новые фото

Первоначально изделия Галле выпускались единичными экземплярами. Сложно представить, что ваза с улиточками выполнена из стекла. Высокое удлиненное тулово переходит в более узкое горло с легким раструбом (отличительная особенность эксклюзивных ваз; промышленные изделия имели ровно срезанный край). Видно как цвет играет с основания и до верхней части, передавая объем. Накладные улитки грациозны, кажется, тронь их, и они оживут.

Интересны работы с морской тематикой и ваза с летучими мышами – сюжеты совершенно не характерные для украшения посуды, но здесь смотрятся потрясающе. Верхняя часть шкатулки в форме осьминога с резными щупальцами выглядит оригинально, а динамика полета мышей цвета индиго делает изделие неповторимым. Галле использовал травление, резьбу, технику мартелле, когда на поверхности делаются насечки, которые образуют ажурный фон.

Работая совместно с братьями Дом, собравшими вокруг себя талантливых художников, Эмилю Галле удалось вдохнуть в стекло таинственную силу притяжения. Невозможно отвести взор от кувшинов, декоративных шкатулок, настольных ламп, флаконов для парфюма, выполненных им в конце XIX столетия.

Необычные светильники поражают пластикой, от них веет теплотой, несмотря на исходные материалы: холодное основание из бронзы и плафоны из стекла. Красно-желто-белого цвета тюльпан выразительно нависает над телом молодой женщины, которая превратилась в основание-стебель. Красота и качество исполнения вызывают восхищение и благоговение перед талантом мастера.

Эмиль Галле был художником от природы. Его мастерская производила посуду для широкой публики, но если получали заказ от королевской семьи, известных литераторов или состоятельных людей, то мастер выполнял работу сам, начиная от эскиза. Его этюды столь красивы, что являются полноценными произведениями. Они нежны, эстетически превосходны, передают настроение и характер цветка.

Доподлинно известно, что залы Николая II и Александры Федоровны украшали вазы Эмиля Галле, а отдельные экземпляры были отделаны серебром именитым мастером фирмы Фаберже Ю.А. Раппопортом. В описях конца 19 века упоминается, что письменный стол Ее Величества был выбран для вазы с изображением клематиса, датированной 1896 годом. Наряду с орхидеей и лилией, это был один из любимых цветов Галле.

То уснут акварельным эскизом,
то зажгутся оттенком акрила
Нежно-розовые клематисы,
лепестки, словно лёгкие крылья.
(Владимир Белозерский)

Вазы Э. Галле «Клематис»

Необычайно красивые по форме, разнообразные по цвету, растения вдохновляли не раз художника на изготовление оригинальных произведений.

Музыка мебели

Эмиль Галле был художник-универсал. Он прекрасно разбирался в графике, живописи, теории, проектировал бытовые вещи. В Нанси в 1895 году был открыт магазинчик “La Maison de l’Art Nouveau” , который выставлял предметы интерьера в стиле modern. Дизайнеры-новаторы Эмиль Галле (Emile Gallé) и Луи Можараль (Louis Majorelle) стояли во главе Провинциального альянса художественной промышленности, позднее переименованного в Школу Нанси, и задавали ритм новому течению.

Мебель, сотворенная по наброскам Эмиля Галле конца 19 века, отличается изящной формой и насыщенными декорированными элементами. Здесь важно было все: удобство, приятные формы, выбор материала и отделка. Несмотря на то, что фабрика Галле была оснащена механическими машинами, отделка и финишная обработка деталей происходила вручную. Мебель облицовывалась фанерой, украшалась позолоченными накладками. Резьба и рельефная инкрустация зависела от породы дерева. Например, палисандровое дерево было популярным из-за широкого спектра цвета: от розовато-светло-коричневого до насыщенного кирпичного, и даже шоколадного, с узором из темных прожилок с фиолетовым оттенком. Дерево очень твердое, поэтому изделия из него прекрасно сохранились. Излюбленным рисунком оставалась флористика и бабочки.

Ритмически-организованные формы мебели словно одухотворяют материальную среду. Мебель удобна, приятна глазу и гармонична. Украшенная резьбой, линейным плетением, инкрустированная разными породами дерева, стеклом и драгоценными камнями она становилась украшением любого интерьера.

Основным средством выражения для Э. Галле в стиле модерн был орнамент, который одновременно украшал и композиционно формировал структуру изделия. Любитель поэзии, Галле создавал «говорящие» произведения, ритмично вписывая цитаты известных авторов на вазы и мебель. Так и хочется спросить у мастера:

Скажи, откуда ты приходишь, Красота. (Ш. Бодлер «Гимн Красоте»).

Эмиль Галле умер в Нанси от лейкемии в 1904 году на пике своей популярности. С того времени, несмотря на усилия четырех его дочерей, мастерская с переменным успехом пыталась существовать до 1936 года, выпуская небольшие партии стекольной и мебельной продукции по сохранившимся эскизам. Однако, повторить произведения Галле не суждено было никому. Имущество семейной фабрики было продано с аукциона, и сегодня только счастливчики могут похвастаться предметами, в которых вдохнул жизнь гений декоративно-прикладного искусства – Эмиль Галле.

Читайте также:
Образы зомби и мертвой красавицы невесты для фотосессии

Клейма Эмиля Галле

Суть работ Эмиля Галле – в умении донести до человека философию жизни, умение видеть красоту в капле росы и взмахе крыла мотылька. Он сумел почувствовать философию искусства и гордился своими произведениями. Каждое из них Галле одаривал своей подписью, словно целуя на прощание, отпуская в большую жизнь. Поэтому его авторская метка всегда разная.

На вазе с пейзажем она словно хрупкая лодочка, парящая по озеру, а на деревянной шкатулке – больше напоминает декоративное растение под стать основному рисунку.

Эмиль Галле был оригинален не только в сюжетных линиях, его клеймо неповторимо. Оно изящно, гармонично, радует глаз формой и цветом. На вазах оно чаще всего располагалось в нижней части тулова, но всегда вписывалось в цветовую гамму изделия.

Прижизненные подписи Галле можно встретить в различных вариантах. На конусовидном флакончике для парфюма, отделанном серебром, подпись выполнена гравировкой и даже спустя сто лет хорошо читаема.

Одна из первых работ мастера. Настоящие изделия Э. Галле тяжелые по весу, если посмотреть на диск-основание вазы, то можно увидеть слои светло-темного матового стекла. Здесь же и первые гравированные клейма.

Ваза с узким длинным туловом с растительным орнаментом. Подпись автора Gallé естественно, словно лиана, вплетена в орнамент. На вазе с изображением цветов и листьев бегонии клеймо выгравировано золотом, очень тонко, замысловато, необычно указан и год создания – 1900.

Цилиндрическая ваза из трехслойного стекла с листьями и цветами георгина, сделанная в 1898 году совместно с К. Фаберже (оправа). Изделие в единственном экземпляре и для него разрабатывалась отдельно подпись – расположена на тулове на фоне лотарингского креста: Emille Galle. Вариант уникальный, ваза находилась в залах императрицы Александры Федоровны, повторение невозможно.

Настенный гардероб 1900 г. Чудесная мебель с орнаментом в технике маркетри с ветвями, причудливыми стеблями маков с бутонами. В правом углу, словно изогнутая лиана, подпись автора.

Для самого Галле важен был не столько сюжет, сколько сам процесс изготовления вещи, комбинаторика стекла, цвета, фактуры. Он постоянно экспериментировал, усложняя технику, поэтому более поздние работы, гораздо насыщеннее, техничнее, изобилуют дополнительными элементами. Ваза с изображением цветка и листьев страстоцвета с необычной подписью. Клеймо расположено на ножке, рядом со стеклянными красными свилями, более похоже на стилизованный орнамент.

После ухода из жизни Эмиля Галле фабрика существовала на протяжении нескольких десятков лет. Продукция соответствовала стилю основателя, однако клеймо стало иным. В течение двух лет, начиная с 1904 года, у первой буквы фамилии проставлялась звездочка.

Работы с 1906 по 1936 (окончательно прекращение выпуска продукции под маркой) идентифицировались характерным клеймом. Они более просты, не отличаются разнообразием и типичны в написании.

Однако, уникальные экспонаты, хранящиеся в музеях мира за подписью Эмиля Галле, идеальны, красивы и неповторимы даже спустя многие годы.

Откровенные фото Джулии Ванг, ее рост и вес

Фото Джулии Ванг, ее рост, вес и размер груди интересуют многих фанатов «Битвы Экстрасенсов». Однако разобраться в карьере ясновидящей и тем более в ее физических показателях, которые каждая девушка предпочитает скрывать, довольно сложно.

Ниже вы можете ознакомиться со всеми известными фотосессиями Джулии Ванг, а также увидеть, как она выглядела до пластики и в самом начале карьеры модели. Модельное прошлое стало серьезной помехой Джулии во время участия в «Битве экстрасенсов». Многие телезрители перестали верить в правдивость проекта.

Джулия Ванг — одна из самых скандальных его участниц. С большим трудом ей удалось доказать, что экстрасенс имеет право на наличие в биографии карьеры актрисы, модели, а также парфюмера, стилиста и парикмахера. Известно, что Дух Хаоса пробовала себя и в роли певицы.

Джулия Ванг для Playboy в 1998 году

В 1998 году Джулия Ванг снялась для журнала Playboy и это определило жанр большей части фотографий, которые приносили ей доход позднее.

Иногда Ванг появлялась в фильмах и клипах. Больших ролей не было, она снималась в эпизодах. Роли были по большей части легкомысленного характера.

Неизвестно, почему Джулия Ванг решила предпочесть эротический жанр фото. Возможно, они приносили больший доход, чем другие фотосессии.



По словам экстрасенса в соцсети, она снималась для «Плейбоя» с оголенной грудью ещё в 16 лет, соврав про возраст. К сожалению, зная данный факт, мы не можем показать эти фотографии.

Фото Ванг для Maxim от 2003 года

В 2003 году фото Юлии Ванг появлялись в журнале Maxim. Они тоже имели эротическую направленность.

Короткое интервью с моделью можно было увидеть в рубрике «Кто эта девушка». Она имеется в Maxim и сейчас.


Ванг не раз появлялась в отечественных изданиях в полуобнаженном виде. Возможно, перед участием в «Битве» она решила, что это повредит репутации. Сейчас она не афиширует этих фотосессий.

Апофеоз: эротическая фотосессия Ванг на кладбище

Немалая часть фотосессий Ванг носит эротический характер. Многие зрители «Битвы экстрасенсов» были возмущены этой фотосессией на кладбище.

Снимки были сделаны фотографом, сотрудничавшим с ней долгое время. Некоторые источники говорят, что это Алена Сазонова.

Читайте также:
Дарья Строкоус на обложке VOGUE

Многие поклонники Джулии считают фото неэтичными и уверены, что экстрасенс должен отличаться уважением к такому месту.

Фото Ванг со старых фотосессий

Известно, что Ванг снималась не только для эротических журналов. Ее можно было увидеть в рекламе, модных изданиях.

Множество фотосессий с моделью было сделано в разные периоды жизни. Вот еще пример из раннего периода ее карьеры:

Джулия сменила готический стиль на более гламурный, когда поняла, что с помощью общепринятых стандартов красоты добиться успеха проще.



Джулия Ванг — рост, вес и размер груди до и после пластики

Заметный рост Джулии Ванг бросился в глаза участникам и зрителям проекта. Она казалась выше всех остальных экстрасенсов и это выделяло ее из толпы, как и тщательно подобранный имидж, броские наряды, проработанная стратегия поведения. Многих поклонников актрисы, модели и ясновидящей интересует ее точный рост. Особенно он волнует девушек, которые пытаются ей подражать и мечтают узнать, похожи ли они на нее хоть немного.

Рост Джулии Ванг идеально подходит для модельной карьеры. Он составляет 178 см. Для модели требуется как минимум 170 см, в некоторых случаях ей может стать девушка, рост которой больше 172-175 см. Рост Джулии Ванг позволяет ей работать во всем мире, ведь в некоторых странах требования более жесткие, чем в России.

А вес Джулии Ванг хранится в секрете. Если учитывать мировые стандарты топ-моделей, при ее росте она должна весить не больше 47 кг. Дело не в эталонах красоты, а в размере одежды, затратах на ткани для пошива вещей на модных показах и других моментах. Но стандарты для фотомоделей, коей является Джулия, не такие жесткие. Можно сказать только, что вес Джулии Ванг при росте 178 см не больше 55 кг.

В одном из интервью ее спрашивали, занимается ли она спортом, чтобы поддерживать себя в форме. Ответ был отрицательным. Диет, по словам Духа Хаоса, она не придерживается. Поверить в это сложно, ведь до пластики экстрасенс выглядела по-другому. Она увеличивала губы и грудь, это можно понять по фотографиям.

О Джулии множество сплетен. В некоторых публикациях указано, что до операции размер груди Джулии Ванг — третий. После пластики, которую она сделала в 2002 или 2003 году, размер стал четвертым. Параметры Ванг, как можно догадаться, отличаются от стандартных модельных, но этот бизнес, как известно, делает определенные исключения.

Джулия Ванг — карьера модели

Карьеру модели Джулия Ванг начала в 14-15 лет в Нижнем Новгороде. Это суровые 90-е, и ее путь к вершине был сложным. Как и сейчас, будущий Дух Хаоса предпочитала странноватый готический стиль. Это доказывают фото Ванг в детстве. Нестандартная внешность, форма лица и отличная фигура стали козырями Юлии Гавриковой — тогда она использовала настоящее имя.

В самом конце 90-х Юлия с матерью перебирается в Москву и продолжает строить модельную карьеру. Ей улыбается удача, она находит спонсоров и получает возможности для дальнейшего стремления к славе. В это время Юлия Владимировна Гаврикова превратилась в Джулию Ванг — фамилию прадеда она посчитала более подходящей для успешной модели.

В конце 90-х Юлия Ванг ездила на съемки за границу. Она снималась в Европе и Юго-Восточной Азии. В это же время заканчивала многочисленные курсы, обучалась парфюмерии, парикмахерскому искусству, брала уроки вокала. Широко известных фотосессий Джулии Ванг из заграничных журналов в сети нет, зато фото из отечественных изданий немало.

Злые языки говорят, что Джулия не смогла освоить иностранные языки, поэтому предпочла карьеру российской модели. Она знала только английский на начальном уровне, учить немецкий и французский не пожелала. Однако в начале 2000-х модель Джулия Ванг была на высоте. Она прилично зарабатывала, смогла позволить себе квартиру в Москве и одевалась только в брендовые вещи.

Некоторое время модель Джулия Ванг не придерживалась определенного жанра, она снималась для модных журналов и рекламы, была моделью для мейкапа и причесок. Только после 1998 года стиль фото Юлии Ванг был определен. После фотосессии для эротического журнала Playboy мы можем наблюдать множество фотографий голой Джулии Ванг, победительницы 15 сезона «Битвы экстрасенсов».


После увеличения груди и губ Джулию Ванг приглашают только для фотосессий эротического характера. Она снималась для «Максим», несколько раз была приглашена моделью для Playboy. Джулию Ванг можно увидеть в эпизодических ролях в российских фильмах, в клипах известных исполнителей. Особой популярности она не получает, довольствуется гонорарами от небольших ролей и эротических фотосессий.



Люди отмечают, что работать с Юлией сложно. У модели всегда был тяжелый характер, она могла нахамить, но в личных отношениях характер Джулии Ванг смягчался. Мы редко можем увидеть фото, где Юлия Ванг улыбается. Ей попросту не идет такое выражение лица. Многие фотографы считают, что работать с такой внешностью нелегко.

Улыбка акулы Ванг

Джулия жаждала популярности и решилась сменить привычный с детства готический имидж на пошловатый гламур. Известности это все равно не принесло, и в 2012 году Ванг вернулась к странным нарядам и макияжу. В этом образе мы можем видеть ее на «Битве экстрасенсов». Если посмотреть подростковые и детские фото Джулии Ванг, станет заметна ее ранняя приверженность необычному стилю.

Читайте также:
Живые цветы и Fashion фотография

Все фото и фотосессии модели Джулии Ванг

А эти фотографии были сделаны в начале модельной карьеры Ванг.


Фотосессии Ванг от Алены Сазоновой

Большая часть современных фотографий Джулии Ванг была сделана фотографом из Москвы Аленой Сазоновой. Они часто сотрудничают, при этом количество образов может удивить. Ванг участвует как в фэшн-фотосессиях, так и в готических.
На этом фото сложно узнать Джулию, но это часть ее фотосессии у Алены.

Ванг вернулась к готическому образу, и Алена Сазонова стала одним из первых фотографов, который сумел оценить ее потенциал в этом жанре.

Многим нравится образ Ванг на фото с битой, но мало кто знает, что эта фотосессия тоже сделана Аленой.

Пеппер арт тоже Сазонова.

Зрелая фотосессия Ванг для Собака.ру

В 2015 году Джулия Ванг участвовала в уникальной по своему характеру фотосессии и дала интервью для Собака.ру.

Главной фишкой стало умение Ванг преображаться. Она показала несколько примеров за один раз.

Все образы получились яркими и неординарными, Джулия избегала похожих вариантов.

Большая часть украшений и аксессуаров — собственность Ванг.

Джулия питает симпатию к экспериментам с освещением.

В целом надеемся, что эта статья и подборка фотографий дают ответы на все ваши вопросы и вы точно нашли что-то новое о знаменитой Джулии Ванг.

Экстрасенс Джулия Ванг стала Томасом и показала обнаженное тело после операций (фото)

Внешность звезды “Битвы экстрасенсов” кардинально изменилась. Теперь в Джулии Ванг едва можно узнать ведьму, которая регулярно появлялась на телеэкранах. Ванг решила полностью изменить привычную жизнь и стать полноправным мужчиной, передает NUR.KZ.

Победительница 15-го сезона шоу “Битва экстрасенсов” Джулия Ванг изменила имидж и просит обращаться к ней исключительно “мистер Томас”. В соцсетях бывшая женщина объяснила свое поведение тем, что генетически она принадлежит к мужчинам. Такая особенность связана с синдромом Морисса, от которого страдает экс-участница шоу.

О том, что в жизни Джулии Ванг произошли изменения, было сказано ранее на ее страницах в социальных сетях.

Тогда экстрасенс заявила, что внешность ей изменили продюсеры шоу, но это, по словам Ванг, единственное, что было изменено. Следом Джулия сообщила, что она замужем, и супруг ее полностью поддерживает в преображении, называя ее особенность “изюминкой”.

“Я родилась странным ребенком, с аномалиями, меня все боялись и ненавидели, с немотивированной агрессией”, – вспоминает Ванг (здесь и далее орфография и пунктуация авторов сохранены – прим.).

На днях победительница “Битвы экстрасенсов” воочию продемонстрировала, как выглядит ее тело после десяти корректирующих операций. Звезда телешоу не постеснялась оголиться, чтобы всем показать свою мужскую сущность. Кроме того, она сменила имя на Томас Винсор-Ньютон.

В кадре позирует мужчина в обтягивающих плавках с накаченным прессом. Таким образом Томас решил пресечь досужие домыслы общественности и спекуляции по этому поводу.

“Пол я менять не собираюсь, меня устраивает мой мужской. Я не трансгендер. И кстати, пол, к вашему сведению, не меняют, его корректируют”, – написано в посте.

По словам Томаса, он изначально был мужчиной, однако после рождения его пол был определен неверно. А в 15 лет ему ввели гель, поэтому у него появилась грудь. Для того, чтобы полностью выкачать гель, потребовалось три года и десять операций.

“Дело в том, понимаете ли, что каждый видит меня, как фантомный объект, образ, его личный шаблон подсознания. При этом каждый раз – это личная иллюзия наблюдателя через призму его восприятия. Я вижу миллиарды отражений, то есть иллюзий, ваших иллюзий, и то, как вы воспринимаете меня (негативнопозитивно), для меня является равнозначным. Все это – не я, ибо вы видите сквозь меня – себя. Я нечто иное. Все, что вы видите – это ваше сознание и его сон”, – пишет он.

К слову, в одном из постов Томас перечислил три своих любимых фильма, которые перекликаются с его мироощущением.

“Угадан только один фильм “В джазе только девушки”. Почему он? Томас говорит что в жизни всегда ощущал себя как главные герои, вынужденные переодеться в женские платья и повторяющие себе “я девушка!”

Классика, это фильм по произведению Виктора Гюго “Человек который смеётся”. Думаем многие знают сюжет: аристократ был похищен и изуродован. Тут думаем объяснять почему он ассоциировал себя с Гуинпленом, не надо.

И последний фильм, мюзикл. Это “Мистер Х” или “Принцесса цирка”. Томас говорит что ассоциировал себя с главным героем оперетты Кальмана из-за его трагического образа человека в маске, т. к. в жизни тоже вынужден был играть роль. И никто не знал кто он в реальной жизни и на самом деле, как и Мистер Х. Он довольно часто пел его арию, даже в музыкальном училище”, – пишет Томас.

Напомним, похудевшая Рианна очаровала 11 млн поклонников сияющим бюстом и роскошной фигурой.

Слушайте песни Рианны и других исполнителей в нашем приложении “Музыка Нур”

Получите премиум почти даром благодаря Tele2 и ALTEL. Узнать подробнее>>

Уникальная подборка новостей от нашего шеф-редактора

Рейтинг
( Пока оценок нет )
Понравилась статья? Поделиться с друзьями:
Добавить комментарий

;-) :| :x :twisted: :smile: :shock: :sad: :roll: :razz: :oops: :o :mrgreen: :lol: :idea: :grin: :evil: :cry: :cool: :arrow: :???: :?: :!: